Au cours de quatre albums studio, Florence Welch s'est taillée une place dans le paysage de la musique pop en tant qu'artiste la plus spirituelle de la musique profane aujourd'hui, une chanteuse de gospel pour la génération Y qui assiste à un brunch le dimanche matin au lieu d'un service religieux. Sa voix massive et ses paroles mélodramatiques sont souvent évoquées sur Internet comme une source de guérison, de renouveau et de soins personnels. Autant que son homologue indie-popLordese positionne comme une figure quasi-religieuse de la génération en ligne, même ses paroles les plus puissantes et les plus honnêtes sont pâles par rapport à l'immédiateté émotionnelle d'entendre Welch gémir sur une piste.
De même, la chanteuse anglaise de 35 ans et son groupe, anciennement connu sous le nom de Florence and the Machine, ont parcouru de nombreux terrains émotionnels, spirituels et métaphysiques depuis leur arrivée flashy en 2009 avec l'album à succèsPoumons. Ils ont sorti des chansons sur le chagrin d'amour, la mort, la cosmologie, les troubles de l'alimentation et, bien sûr, l'eau. Mais les succès les plus célébrés et les plus rejoués du groupe, "Dog Days Are Over" et "Shake It Out" - les premiers hymnes qui trouvent Welch surmontant ses démons personnels et / ou encourageant l'auditeur à le faire - ont défini ce que les fans attendent depuis le acte de pop de chambre, à la fois lyriquement et sonorement.
C'est une attente mi-sérieuse, mi-drôle qui m'a certes fait me tortiller en tant que fan de longue date de Florence et de la Machine. Il y a quelque chose de frustrant à voir les gens sur Twitter réduire constamment la complexité vocale et le poétisme de Welch uniquement à la façon dont elle les fabriquese sentircontrairement à ce que le chanteur est réellementactiondans son travail, même s'il est vrai que l'écriture de grandes chansons inspire de fortes réactions émotionnelles. La connexion intense de Welch avec son public a probablement même joué en sa faveur, car elle a réussi à maintenir le battage médiatique autour de sa musique depuis plus d'une décennie maintenant. Mais cela peut aussi dissuader les auditeurs de l'engagement critique et, par conséquent, la croissance d'un artiste, quelque chose que je dirais a contribué à son pairAdèleLe voyage stagnant de musicien jusqu'à présent.
Après avoir écoutéLa fièvre de la danse, le cinquième album de Welch, qui est arrivé vendredi, j'ai pensé que ce n'était peut-être pas une si mauvaise chose, ou du moins pas aussi limitant son art que je l'imaginais. Quand elle est tombéeHaut comme l'espoiren 2018, son exécution vocale et ses mélodies généralement accrocheuses – à l'exception de morceaux comme « June », « Hunger » et « No Choir » – n'ont pas eu un impact aussi immédiat, même si cela a marqué un changement confessionnel intéressant dans ses paroles largement métaphoriques. Bien que cet album ait grandi en moi depuis lors, il semble toujours relativement appelé par rapport à son précédent album,Comme c'est grand, comme c'est bleu, comme c'est beau. Mais avecLa fièvre de la danseactuellement dans le monde, vous pouvez voir comment ce disque fonctionne comme un pont nécessaire plutôt qu'une destination dans sa carrière.
SurLa fièvre de la danse, Welch, avec les producteurs Jack Antonoff, Dave Bayley de Glass Animals et Kid Harpoon, marie avec succès les observations et les souvenirs plus littéraux qu'elle a explorés surHaut comme l'espoiravec les sons et la composition fascinants surPoumons. La chanteuse, qui parle ouvertement de son ancienne dépendance à l'alcool,créditssa nouvelle sobriété avec un sentiment de clarté et de spécificité tout au long de ce dernier album. C'est un sujet qu'elle chante en termes directs sur le morceau "Back In Town", qui s'ouvre sur les paroles "Jamais vraiment été en vie auparavant/J'ai toujours vécu dans ma tête/Et parfois c'était plus facile la gueule de bois et à moitié mort".
Malgré la jubilation du titre (inspiré par la fascination de Welch pour la tradition médiévale de danser jusqu'à la mort),La fièvre de la dansetrouve la chanteuse confrontée principalement mais pas nécessairement surmontant ses angoisses et ses désirs contradictoires, alors qu'elle navigue dans la trentaine et se débat, comme tous les chanteurs de nos jours, avec la création d'art dans une pandémie. "Cassandra", en particulier, capture la solitude et le désespoir bouleversants au début de la quarantaine lorsque ce que nous pensions être trois mois à l'intérieur de nos maisons s'est avéré être beaucoup plus long.
Le fait que Welch ne se présente pas comme cette figure unidimensionnelle et triomphante en raison de sa nouvelle sobriété en fait un album plus intéressant dans l'ensemble. Même le rythme accéléré, assisté par Antonoff, "Free" est principalement consacré à l'expérience d'être chroniquement paniqué ("Ça me prend/me pose/Ça me mâche/me recrache"). Sur le confiant «King», le premier single Welch sorti de cet album, elle se demande si ses désirs de mariage et de maternité valent le prix que cela coûterait à son art. Et sur "Girl Against God", elle grimace devant le fardeau d'être trop aimée par quelqu'un, vraisemblablement un enfant, comme elle l'a franchement discuté dans un récentVogueentretien.
Il est clair que l'ancienne insobriété de Welch la hante toujours dans une certaine mesure, mais elle en parle si bien qu'on se demande si elle trouve encore des morceaux de ce style de vie de rock star romantique rétrospectivement, comme dans "Morning Elvis", qui présente un sur- guitare à pédales en acier au nez mais au son magnifique alors qu'elle décrit un état de gueule de bois solitaire. Elle exprime la même attitude "c'était amusant tant que ça a duré" sur l'avant-dernière chanson aux paroles peu subtiles "The Bomb", détaillant la destructivité passionnante d'une romance. La violence des paroles sur le piano doux et les grattages acoustiques, rappelant une chanson Feist du milieu des années 2000, crée un contraste amusant.
Malgré la maîtrise de certaines chansons individuelles,La fièvre de la dansepourraient bénéficier d'une conservation plus réfléchie. Par exemple, "Morning Elvis", bien que l'une des meilleures chansons, semble être une façon étrange de couronner l'album. La liste des pistes ne vise pas à raconter une histoire linéaire, mais illustre plutôt différentes vignettes de la psyché quelque peu torturée de Welch, avec quelques intermèdes concis ajoutés. Mais il y a une différence notable entre la composition des six premières pistes, qui étaient co -écrit et produit par Antonoff - moins l'envoûtant "Dream Girl Evil" - et le reste de l'album, où Bayley prend les rênes.
En fin de compte, je suis reparti en appréciant davantage les contributions d'Antonoff. L'omniprésence du leader des Bleachers dans la pop féminine est devenue épuisante pour un certain public. Et j'étais certes sceptique quand j'ai découvert qu'il était impliqué dansLa fièvre de la danse, comme s'il traquait chaque musicienne blanche avec une présence notable sur Tumblr jusqu'à ce qu'il accumule une centaine de Grammys. Mais sa chimie avec Welch est immédiatement palpable sur une chanson comme "Choreomania", en particulier sur le pont, qui ressemble à un affront approprié aux puristes du rock sexiste et aux opposants à la pop qu'ils ont tous deux rencontrés. "Vous avez dit que le rock'n'roll était mort", chante Welch. « Mais est-ce parce qu'il n'a pas été ressuscité à votre image ? Comme si Jésus revenait dans une belle robe et que tous les évangéliques étaient comme, 'oh, oui.' »
"Free", le single le plus performant à ce jour, est finalement la meilleure convergence de ses talents et de ceux d'Antonoff, compte tenu de leur affinité pour les fioritures orchestrales, les grands chœurs émotionnels et une grosse caisse. En écoutant le tout premier single de Welch "Kiss With A Fist", il semble inévitable que cette collaboration se produise.
Global,La fièvre de la dansese sent comme l'entreprise la plus sur la marque pour Florence et la machine et Welch en tant que personnalité connue. En tant que Vierge, je peux confirmer que tous ses traits astrologiques stéréotypés - la sensibilité, l'anxiété, l'entêtement, l'insatisfaction personnelle - sont fièrement exposés, et je ne me suis jamais senti plus exposé et affirmé en écoutant l'un de ses albums. . Mais il y a toujours clairement une évolution et un peu de polissage plutôt que de simplement donner à ses fidèles auditeurs la version caricaturale la plus évidente d'elle-même. L'album n'est pas aussi rapidement satisfaisant que les pistes vocales d'abord, plus adaptées à la radio sur ses trois premiers disques, mais cela s'avère être la meilleure voie.